Del 3 al 9 de marzo de 2014
RADIO |
Tiempo y Espacio. Informativo Cultural
Programa
de la Secretaría
de Difusión Cultural y Extensión Universitaria en donde se ofrece una propuesta
radiofónica en la que se incluyen entrevistas, comentarios, agenda cultural y
noticias del ámbito artístico-cultural y científico. Tiempo y Espacio de
transmite todos los lunes, a través de Radio Nicolaita (1370 khz en la banda de
amplitud modulada). A las 10:00 horas.
CINE |
Miércoles 5:
UMSNH-Cineteca de Michoacán, A. C.
Ciclo “MUJERES EN EL CINE MEXICANO”
MACLOVIA
Dir. Emilio Indio Fernández (1948)
Edición: Gloria Schoemann
En 1942 se inicia en el
trabajo de la edición, en el que trabajaría el resto de su vida, como ayudante de Jorge Bustos, en la cinta Yo
bailé con Don Porfirio (Gilberto Martínez Solares). Un año después edita
una de las obras fundamentales de la cinematografía mexicana: Distinto
amanecer, dirigida por Julio Bracho y sería el inicio como titular del área
en 221 películas, con directores como Emilio Fernández, Luis Buñuel, Roberto
Gavaldón y Alejandro Galindo, entre otros.
Su
reconocida labor cinematográfica la llevó a impartir cátedra en el Centro
Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autónoma
de México (UNAM) durante 1964.
Otras películas
por las que estuvo nominada a los premios Ariel fueron: "Las
abandonadas" (1946), "La perla" (1948), "Maclovia"
(1949), "Las puertas del presidio" (1950), "Cuando levanta la
niebla" (1953), "Talpa" (1957), "Yambao" (1958),
"En la trampa" (1979), "Fuego en el mar" (1980) y "Las
grandes aguas" (1981).
En
2004, en la ceremonia de entrega anual de premios de la Academia Mexicana de
Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), recibió el Ariel de Oro por su
filmografía, la cual dejó huella desde "Yo bailé con don Porfirio"
(1942) hasta "El barrendero" (1981).
Ganó el Ariel por su colaboración en las películas:
"Enamorada" (1947), de Emilio Fernández; "El niño y la
niebla" (1954), de Roberto Gavaldón, y "La rebelión de los
colgados" (1955), de Emilio Fernández y Alfredo B. Crevenna.
Gloria Schoemann, murió el
1 de septiembre de 2006, tras dejar huella en la cinematografía nacional.
Maclovia
está constituida por cinco personajes simbólicos: José María (Pedro
Armendáriz), hombre justo que lucha por el bienestar de sus allegados sin
violentar las leyes del Estado; Maclovia (María Félix), mujer abnegada que
sufre los maltratos de una sociedad opresora y tradicional; Genovevo (Carlos
López Moctezuma), militar que se conduce con desacato y prepotencia; el Padre
Jerónimo (José Morcillo), sacerdote relegado pero perseverante en divulgar su
discurso conservador y el profesor (Eduardo Arosamena) reflexivo y pragmático.
Las figuras, que se repiten en la obra de Fernández, representan los distintos
sectores de la sociedad que protagonizaban el México de aquel entonces.
Estamos
en 1914 en Janitzio, Michoacán. Maclovia es una india hermosa enamorada de José
María. Sin embargo, su relación es imposible: su padre, Macario (Miguel
Inclán), no quiere que ella se comprometa con ningún hombre. Genovevo, por su
parte, pretende estropear el lazo amoroso y quedarse con ella, propiciando un
final de tintes trágicos.
La
película se desarrolla a través de un ritmo moroso. La fotografía de Figueroa
captura los exóticos paisajes de la isla al tiempo que los vincula con los
sentimientos de los personajes. Una de las secuencias más destacadas que
ejemplifican lo anterior ocurre cuando la protagonista conversa, durante la
noche, con Sara (Columba Domínguez) en un panteón lúgubre, alumbrado por las
velas de sus visitantes. Maclovia debe decidir entre luchar por la libertad de
su amado entregándose al militar que lo somete, aunque eso signifique perderlo
para siempre, o resignarse a verlo tras las rejas víctima de una injusticia. Un
poco más adelante, las pasivas velas se convierten en iracundas antorchas
–auspiciadas ya no por la pesumbrosa noche, sino por un sol resplandeciente e
intempestivo– manejadas por los indios del lugar que quieren atacar a la pareja
por desobedecer sus leyes. http://www.enfilme.com/blanco-y-negro/maclovia
MACLOVIA
(México, Filmex, 1948). Dir.: Emilio
Fernández; Asistente de dirección: Carlos L. Cabello; Guión: Mauricio
Magdaleno; adaptación: Emilio Fernández; Fotografía en blanco y negro: Gabriel
Figueroa; Escenografía Manuel Fontanals; Maquillaje: Armando Meyer; Edición:
Gloria Schoemann; Sonido: José B. Carles; Música: Antonio Díaz Conde;
Intérpretes: María Félix, Pedro Armendáriz, Carlos López Moctezuma, Columba
Domínguez, Arturo Soto Rangel, Miguel Inclán, José Morcillo, Roberto Cañedo,
Eduardo Arozamena, Manuel Dondé, José Torvay, Ismael Pérez y Carlos Múzquiz,
entre otros. Duración: 100 minutos.
Teatro
“José Rubén Romero”, 18:00 horas. (29)
MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE |
55 Muestra
Internacional de Cine de la Cineteca Nacional
Del 21 de febrero al
11 de marzo de 2014.
Lunes
3:
Los
insólitos peces gato (30)
Dir.
Claudia Saite-Luce
México, 2012, 92 min.
D y G: Claudia Sainte-Luce. F en C: Agnès Godard. M: Madame Recamier. E: Santiago
Ricci. Con: Ximena Ayala (Claudia),
Lisa Owen (Martha), Sonia Franco (Alejandra), Wendy Guillén (Wendy), Andrea
Baeza (Mariana), Alejandro Ramírez Muñoz (Armando). CP: Jaqueca Films, Good Lap Production, FOPROCINE y Cine Caníbal. Prod: Geminiano Pineda. Dist: Caníbal.
Claudia, joven solitaria que trabaja en un
supermercado, termina en una sala de urgencias con un severo caso de
apendicitis. Ahí conoce a Martha, la mujer de la cama de a lado, quien vive
acompañada por sus cuatro hijos. Después de
salir del hospital, Martha la invita a su casa y se vuelven amigas. Cuando
Claudia descubre que la salud de Martha se agrava, su relación con cada miembro
de la familia se vuelve más íntima. La opera prima de Claudia Sainte-Luce es una dulce comedia que explora la generosidad
y el cariño humano cuando llegan sin anunciarse.
Premios
2012 Primer
Premio en la sección Primer Corte. Ventana Sur. Argentina.
2013 Premio del
Público Joven a la Mejor Película, Festival Internacional de Cine de Locarno.
Suiza│Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. │Premio a la mejor
interpretación femenina (Lisa Owen y Ximena Ayala). Festival de Cine
Latinoamericano de Biarritz. Francia.
La muerte es algo muy difícil de asimilar. Cuesta un poco de trabajo, te
escondes en tu trabajo, no quieres mover las cosas en tu vida, no quieres
entrar al hospital, te estresas con facilidad por cualquier cosa. Es algo que
vive al lado de nosotros, pero con lo que no sabemos lidiar. Llegó un momento
en el que aprendí a lidiar con ello, con la muerte. Yo sabía que cuando
escribiera algo, tendría que contar esto, lo que viví al lado de la verdadera
Martha. Me queda claro que si soy quien soy, es por esta historia.
Claudia Sainte-Luce
Veracruz, México, 1982
Egresada de la Universidad de Guadalajara
con licenciatura en Artes Audiovisuales.
En 2005 participó en el Festival
Expresión en Corto en Guanajuato con su cortometraje, Muerte Anunciada, que se llevó el premio del
público. Desde 2007 ha trabajado como asistente de dirección en varias
películas mexicanas. En 2011 participó en el laboratorio
de escritura de guiones, apoyado por Bertha Navarro,
el Sundance Lab
y la Fundación Toscano con el
proyecto de Los insólitos peces gato,
su primer largometraje.
Filmografía
2005 Muerte anunciada, cortometraje
2007 El milagrito de San Jacinto, cortometraje
2012 Los insólitos peces gato
Martes
4:
Liv
& Ingmar (31)
Dir.
Dheeraj Akolkar
Liv & Ingmar: Painfully Connected,
Noruega-Suecia-Reino Unido, 2012, 89 min.
D y G: Dheeraj Akolkar. F en C: Hallvard Bræin. M: Stefan Nilsson. E: Tushar Ghogale. Testimonios: Liv Ullmann. CP: Norwegian Production
Company NordicStories, AB Svenska Filmindustri, Sveriges Television, Vardo
Films. Prod: Rune H. Trondsen. PC: Cineteca Nacional.
Este documental es un relato afectuoso pero veraz
de los 42 años de relación entre la legendaria actriz Liv Ullmann y el cineasta
Ingmar Bergman. Contada desde el punto de vista de Liv, el documental narra a
través de un collage de imágenes y
sonidos que incluyen fragmentos de las 12 películas que hicieron juntos,
fotografías y escenas detrás de las cámaras para abordar los altibajos de esta
relación. Esta película es un homenaje no sólo a dos de los más grandes
artistas de nuestro tiempo, sino también a dos seres humanos maravillosos, dos
amigos inseparables, dos compañeros del alma.
Premios
2012 Mejor Documental. Festival Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos.
Liv Ullmann e Ingmar Bergman fueron dos leyendas y como cualquier otro
cinéfilo he estado impresionado por su trabajo por mucho tiempo. Pero lo que me
impulsó a hacer esta película son las mentiras detrás de su grandeza –esta
universal y muy real historia de un
hombre y una mujer–, una historia de dos enamorados –amigos–compañeros y almas
gemelas. Esta infinidad de capas de emociones y complejidades en su relación
tocaron un personal punto sensible dentro de mí. Esta película es para todo
aquel que ha amado y perdido y ha continuado amando…
Dheeraj Akolkar
Dheeraj Akolkar
India, 1978
Después de graduarse con honores en arquitectura
por la Universidad de Pune, India, Dheeraj Akolkar trabajó durante mucho tiempo
en la industria fílmica de su país. Fue parte del equipo de las películas Lagaan: Érase una vez en la India
(2001), nominada a los Óscar; Devdas
(2002), nominada a los BAFTA y Sala
Bandar (2004), nominada a mejor cortometraje en el Festival Internacional
de Cine de Edimburgo. Como guionista, director, cineasta y productor, su propio
trabajo incluye los cortometrajes Jyotirgamaya:
Lead Me to the Light, Whatever!, Sold my Soul y Asylum. Salió con distinción en la Maestría de cine de la
Universidad de Londres en el 2007 y actualmente trabaja entre Reino Unido,
India y Escandinavia en una lista de cinco películas bajo Vardo Films, su
compañía productora situada en Londres. Es director asociado del Festival
Independiente Bombay Mix y fundador de Grassroots Stories, fundación de caridad
que se especializa en hacer películas que puedan inspirar un cambio social.
Filmografía
2005 Jyotirgamaya: Lead Me to
the Light, cortometraje
2006 Whatever!,
cortometraje
2007 Sold my
Soul, cortometraje
2010 Asylum,
cortometraje
2012 Liv &
Ingmar, documental
Miércoles
5:
El
rey del erotismo (32)
Dir.
Michael Winterbottom
The Look of Love, Reino Unido-Estados Unidos, 2013, 101 min.
D: Michael Winterbottom. G: Matt Greenhalgh. F en C:
Hubert Taczanowski. M: Antony
Genn, Martin Slattery. E: Mags
Arnold. Con: Imogen Poots (Debbie
Raymond), Anna Friel (Jean Raymond), Steve Coogan (Paul Raymond), Carl Snitcher
(James Lance), Tamsin Egerton (Fiona/Amber Richmond). CP: Revolution Films. Prod: Melissa
Parmenter. Dist: Cinemas Nueva Era.
Sinopsis
«El sexo vende», es el credo que hace de Paul
Raymond uno de los hombres más ricos de Gran Bretaña. Su carrera comienza como
dueño de un club nocturno. Usando sus ahorros iniciales para comprarse un
edificio sencillo, Raymond después está en la posición de comprar calles
enteras en el Distrito Soho de Londres. Su imperio expandido incluye revistas
eróticas y teatros, y su cuenta de banco finalmente aumenta a 650 millones de
libras. Pero la vida le da un vuelco cuando su hija Debbie muere por una sobre
dosis de heroína a los 36 años.
Una de las cosas que parecían un cierto tipo de límite para Raymond era
que él era solamente un artista. Él era un tipo de artífice que ponía toda su
energía en producir y hacer dinero. No sabemos si era una buena persona o no,
pero a mí me agradan ese tipo de figuras. En el mundo real, la gente es mucho
más complicada, mucho más sutil, y Raymond es un ejemplo extremo. Cuando
hablamos con diferentes personas, todos tienen una versión diferente de él. Así
que en lugar poner en escena la opinión de una persona, decidí trabajar sobre
diferentes situaciones.
Al final, Raymond sólo era la suma de todos los tratos que hizo. Él tomó
los placeres que pudo a lo largo del camino, pero eso deja un gran vacío en
medio.
Michael Winterbottom
Michael Winterbottom
Lancashire, Reino Unido, 1961
Estudió inglés en la Universidad de Oxford, y más
tarde, cursos sobre cine y televisión en
la Universidad de Bristol y en la Politécnica Central de Londres. Inicialmente
trabajó en la sala de montaje de Thames Television, iniciándose como director
con episodios de drama en televisión y dos documentales sobre Ingmar Bergman.
En 1994 formó Revolution Films con Andrew Eaton, con quien había trabajado
anteriormente. Después de trabajar en varias producciones de televisión, tomó
parte por primera vez en la competencia del Festival de Berlín en 1994 con El beso de la mariposa. En 2003 ganó un
Oso de Oro por En este mundo y, junto
a su codirector Mat Whitecross, un Oso de Plata a la mejor dirección en 2006
por Camino a Guantánamo.
Filmografía Selecta
1994 El beso de
la mariposa (Butterfly Kiss)
1997 Bienvenidos
a Sarajevo (Welcome to Sarajevo)
2002 La nueva
orden (24 Hour Party People)
2003 En este mundo (In this World)
2004 9 orgasmos
(9 Songs)
2006 Camino a
Guantánamo (The Road to Guantanamo), codirección
2008 Génova
(Genova)
2009 La doctrina
del shock (The Shock Doctrine), documental en codirección
2010 El asesino dentro de mí (The killer inside me)
2013 El rey
del erotismo
Jueves
6:
Las
horas muertas (33)
Dir.
Aarón Fernández
España-Francia-México, 2013, 100 min.
D y G: Aarón Fernández. F en C: AMC, Javier Morón.
M: Camilo Froideval. E: Ana
Laura Calderón. Con: Krystyan Ferrer
(Sebastián), Adriana Paz (Miranda), Eliseo Lara Martínez (Mario). CP: Santa Lucía Cine, Tita Productions,
Comunicación Fractal, FOPROCINE. Prod: Aarón
Fernández, Fred Prémel, Christophe Bouffil, Alejandro Palma. Dist: Canana.
Sebastián, de 17 años, cuida el pequeño motel de su
tío que está en la desolada costa tropical de Veracruz. Miranda, de 35, una
corredora de inmuebles de la zona, se encuentra ocasionalmente en el motel con
Mario, su amante. Mario siempre llega tarde al encuentro amoroso por lo que
Miranda tiene que esperarlo. Durante esos tiempos muertos, Sebastián y Miranda
se conocen e irán estableciendo lazos a pesar de que en el fondo saben que su
historia es pasajera.
Estaba en Veracruz, haciendo unas cosas para la televisión, y me di
cuenta que en esa carretera de la Cruz Esmeralda hay una zona bonita pero de
turismo muy local con muchos motelitos, algo solitarios en medio de la nada
frente al mar y me enamoré de ese lugar. Creí que era un buen sitio para rodar
y hacer un filme ahí. Tenía ganas de hacer una película simple, sencilla y con
ese ambiente tropical y al mismo tiempo contemplativo.
Aarón Fernández
Aarón Fernández Lesur
Chihuahua, México, 1972
Realizó sus estudios en París, donde obtuvo una
Maestría en Estudios Cinematográficos y Audiovisuales. Ha trabajado en diversos
sectores, destacándose en las áreas de guión, dirección y producción. Es socio fundador
de la compañía Santa Lucía Cine (ex Producciones Cinta Negra), con la que ha
apoyado diversos proyectos cinematográficos. Partes usadas, su opera prima,
fue seleccionada en más de 40 festivales y ganó varios premios. Las horas muertas es su segundo
largometraje.
Filmografía
2000 Circuito
interior, cortometraje
2005 Corrido
callejero, cortometraje
2007 Partes
usadas
2013 Las horas
muertas
Viernes 7:
Berberian sound Studio (34)
Dir. Peter Strickland
Reino Unido, 2012, 92 min.
D y G: Peter Strickland. F en C: Nicholas D. Knowland. M: Broadcast. E: Chris Dickens. Con: Toby
Jones (Gilderoy), Tonia Sotiropoulou (Elena), Cosimo Fusco (Francesco), Susanna
Cappellaro (Veronica), Chiara D’Anna (Elisa), Fatma Mohamed (Silvia), Antonio Mancino
(Santini), Eugenia Caruso (Claudia), Jozef Cseres (Massimo). CP: Warp X, Illuminations
Films. Prod: Mary Burke, Keith
Griffiths. Dist: Interior 13 Cine.
En la década de los setenta, el Berberian Sound
Studio fue el estudio de postproducción de sonido más barato y sórdido de toda
Italia, en el que solamente las películas más perturbadoras procesaron y
editaron sus mezclas de sonido. Gilderoy, un tímido ingeniero de sonido
residente en el Reino Unido, viaja a Italia para encargarse de mezclar el último
giallo de Santini, el gran maestro
del género. Gilderooy pronto se verá atrapado en un mundo prohibido poblado por
actores maniáticos donde los caprichos artísticos y la burocracia más absurda
marcan el día a día.
Premios
2012 Premio a mejor director, mejor actor y mejor diseño
de sonido. Möet British Independent Film Awards. Londres. Reino Unido.
2013 Premio a la mejor película internacional. BAFICI
Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires. Argentina.
Quería mostrar la mecánica de la película. Por lo
general, el cine sólo se ocupa de la ilusión de todo el asunto y los artificios
están completamente ocultos. Pero aquí es todo lo contrario: sólo se ve la
mecánica y la ilusión se oculta. Tenía muchas ganas de hacer una película acerca
del sonido, donde realmente puedes tocar los sonidos y mostrar los vegetales
que están detrás de esos sonidos.
Peter Strickland
Peter Strickland
Berkshire, Reino Unido, 1973
Realizó sus primeros proyectos cinematográficos en
súper 8 y 16 milímetros. Su primer cortometraje, Bubblegum, rescató del olvido a la actriz transgénero Holly Woodlaw
y se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 1996. En el
mismo año fundó el grupo de música experimental The Sonic Catering Band con el que lanzó varias grabaciones y
realizó presentaciones en Europa. Después de haber recibido una herencia
familiar, utilizó el dinero para financiar su primera película, un drama de
venganza ambientado en Transilvania. El resultado, Katalin Varga, se filmó en la campiña rumana en 2006, sin embargo,
debido a diversos problemas económicos, la película fue lanzada tres años
después. Actualmente vive en Hungría donde imparte clases de inglés.
Filmografía
1996 Bubblegum,
cortometraje
2004 A
Metaphysical Educatio, cortometraje
2009 Katalin Varga
2012 Berberian
Sound Studio: La inquisición del sonido
Sábado 8:
Perros perdidos (35)
Dir. Tsai Ming-Liang
Jiao you, Taiwán-Francia, 2013, 138 min.
D: Tsai Ming-liang. G: Tsai Ming-lian, Song Peng-fei y Tung Chen-yu. F en C: Liao Pen-jung y Sung Wen-zhong.
E: Lei Chen-ching. CP:
Homegreen Films, JBA Productions. Con:
Shiang-chyi Chen, Kang- sheng Lee, Yi Cheng Lee, Yi Chieh Lee y Yi Ching
Lu. Prod: Vincent
Wang, Jacques Bidou y Marianne Dumoulin. PC:
Cineteca Nacional.
Una familia de desposeídos sobrevive en las calles
de Taipéi. Los instantes que conforman sus vidas no buscan la lástima del
espectador, sino una solidaridad por su condición como seres que habitan un
mundo cada vez más cercano al caos. En medio de prolongados silencios y
aparentes tiempos muertos, el resultado es una tragicomedia acerca de la
esperanza de los desposeídos que consigue extraer una extraña poesía de la
penuria humana. La película encuentra la incandescencia de los cuentos de hadas
entre los laberintos insondables de la decadencia urbana.
Premios
2013 Gran Premio del Jurado. Muestra Internacional de
Arte Cinematográfico de Venecia. Italia.
Mi película es sobre una “marquesina humana”, un tipo que pasa horas
deambulando por las calles de Taipéi portando anuncios de una inmobiliaria. Un
hombre que promueve condominios de lujo y que no posee una vivienda propia.
Aparecieron por primera vez hace casi una década. Yo me preguntaba cómo eran
las vidas de estas personas, dónde dormían, en qué forma resolvían sus
necesidades más primordiales. Pero la intención del filme no es regodearse de
su condición o llamar a la piedad del mundo entero. Me interesaba enmarcarlos
en una ciudad como Taipéi, que tras cada cambio que sufre, me recuerda lo mucho
que vamos perdiendo en nombre de la modernidad.
Tsai Ming-liang
Tsai Ming-liang
Kuching, Malasia, 1957
Admirador del cine de François Truffaut, es creador
de un universo fílmico caracterizado por personajes siempre errantes,
taciturnos y marginados de la sociedad a los cuales retrata mediante
prolongadas tomas fijas que captan el paso del tiempo y contrastan de forma
violenta la contemplación con el bullicio de la vida moderna. Cursó sus
estudios profesionales en el Departamento de Cine y Dramaturgia de la
Universidad Cultural China de Taipéi, antes de desempeñarse como productor de
teatro y televisión. Con su segundo largometraje, Viva el amor, conquistó el León de Oro de la Muestra Internacional
de Arte Cinematográfico de Venecia, Italia, en 1994. Considerado uno de los
directores más influyentes del cine contemporáneo y figura relevante del cine
taiwanés, es una presencia constante en los festivales de cine más importantes
del mundo.
Filmografía
1992 Rebeldes del
dios neón (Qing shao nian nuo zha)
1994 Viva el amor
(Ai qing wan sui)
1997 El río (He liu)
1998 El agujero (Dong)
2001 ¿Qué hora es
allá? (Ni na bian ji dian)
2003 Goodbye,
Dragon Inn (Bu san)
2005 The
Wayward Cloud (Tian bian yi duo yun)
2006 No quiero
dormir solo (Hei yan quan)
2013 Stray Dogs (Jiao you)
Domingo 9:
¡Somos lo mejor! (36)
Dir. Lukas Dysson
Vi är bäst!, Suecia-Dinamarca, 102 min.
D y G: Lukas Moodysson, inspirado en la novela gráfica Never Goodnight, de Coco Moodysson. F en C: Ulf Brantås. M: Rasmus Thord. E: Michal Leszczylowski. Con:
Mira Barkhammar (Bobo), Mira Grosin (Klara), Liv LeMoyne (Hedvig), Johan
Liljemark (Kenneth), Mattias Wiberg (Roger), Jonathan Salomonsson (Elis), Alvin
Strollo (Mackan). CP: Memfis Film
AB, Film i Väst, Sveriges Television (SVT), Zentropa Entertainments. Prod: Lars Jönsson. Dist: Caníbal.
Bobo, Klara y Hedvig son tres jovencitas de trece
años que vagan por las calles de Estocolmo en 1982. Su rudeza ante la vida sólo
se compara con su confusión existencial. Obligadas a hacerse cargo de ellas
mismas, ya que a sus padres no parecen interesarles, deciden formar una banda
de rock punk enfureciendo a aquellos que afirman que «el punk ha muerto».
Inspirado en una novela gráfica de su esposa, la dibujante Coco Moodysson, esta
es una inmersión más de Lukas Moodysson en el retrato de universos juveniles
enfrentados a un mundo hostil en el cual luchan por encontrar sentido.
Es maravilloso tener un amigo, es increíble tocar un instrumento sin
saber muy bien cómo, estupendo es incendiar una estatua; nada se compara con
tener los peores padres del mundo o vomitar sobre la colección de discos de
alguien. Es hermoso ser abucheado, recibir las burlas de los demás. Es
maravilloso ser el mejor. Quise realizar una película que, en medio de los
tiempos oscuros en que vivimos, afirmara que la vida, pese a todas las
evidencias que afirman lo contrario, vale la pena vivirse.
Lukas Moodysson
Lukas Moodysson
Malmö, Suecia, 1969
Considerado como uno de los creadores más
importantes del cine contemporáneo, Moodysson arribó a la escena fílmica en
1998 con Show me Love, la historia de
amor entre dos chicas enmarcada por el mortal aburrimiento del pueblo en el que
viven. Poeta y novelista exitoso desde su juventud, Moodysson continuó su
carrera con Together, un nostálgico
retrato de la juventud sueca de los años setenta. Sus siguientes cintas, Las alas de la vida y El hueco en mi corazón, son demoledores
retratos sobre la miseria moral de un mundo en el cual los jóvenes afrontan la
esclavitud sexual y la violencia como moneda corriente. Después de este
binomio, Moodysson orquestó con Mamut el
retrato de una pareja enfrentada a la incomunicación en el mundo actual. ¡Somos los mejor!, su más reciente
filme, marca el retorno de sus héroes juveniles enfrentados a un mundo hostil
en el cual buscan su lugar.
Filmografía
1998 Show me
Love (Fucking Åmål)
2000 Together (Tillsammans)
2002 Las alas de
la vida (Lilja 4-Ever)
2003 Terrorists:
The Kids they Sentenced (Terrorister
– en film om dom dömda), documental
2004 El hueco en
mi corazón (Ett hål i mitt hjärta)
2006 Container
2009 Mamut (Mammoth)
2013 ¡Somos los mejor! (Vi är bäst!)
Cinépolis
Plaza Morelia, Sala 2
Horarios:
MUSICA |
Jueves 6:
JUEVES
ARTISTICOS
CORO “FUEGO DE VIDA”
del INAPAM
Teatro
“José Rubén Romero”, 19:00 horas (37)
CONFERENCIAS |
DIA INTERNACIONAL DE
LA MUJER
Jueves 6:
EL ESTEREOTIPO
FEMENINO EN EL CINE
Dra. Tania Celina Ruiz Ojeda
Una visión crítica y reflexiva en
torno al papel de la mujer en la cultura, son los objetivos que la Secretaría de Difusión Cultural persigue con dos
actividades organizadas en torno al Día Internacional de la Mujer y lo que ello
significa para una sociedad tradicionalmente machista.
Como es
sabido, el 8 de marzo de cada año se conmemora la lucha que han dado las
mujeres en la búsqueda de la igualdad con el hombre. La fecha surgió desde la
Organización de las Naciones Unidas, en 1977.
Para
este año, la Secretaría de Difusión Cultural ha preparado una conferencia en
donde la ponente, Dra. Tania Celina Ruiz Ojeda, a través de un acercamiento
crítico, expondrá cómo el cine ha influido en las sociedades para la
construcción de los estereotipos femeninos y cómo esta misma herramienta de
comunicación los ha ido modificando y, en algunos casos, aboliendo.
La mujer
sumisa y sacrificada, es sólo un ejemplo de lo que, a lo largo de los años, fue
construyendo en la sociedad mexicana el cine de los años 30 a 60s, de la misma
manera que otras cinematografías hicieron en otros países, permeando en algunos
casos en diversas partes del mundo.
Tania
Celina Ruiz Ojeda es egresada de la licenciatura en ciencias de la comunicación
por la Universidad Latina de América. Su maestría y doctorado en historia los
realizó en el Instituto de Investigaciones Históricas de la UMSNH, con temas
relacionados con el cine en nuestro país. Además de haber participado en la
producción cinematográfica, ha escrito numerosos ensayos sobre la
cinematografía, destacando el relacionado con los hermanos Alva, que se incluyó
en la serie CREADORES DE UTOPIAS que editó la Secretaría de Cultura del
Gobierno del Estado, además de múltiples ensayos presentados en congresos y
coloquios especializados en cine. Actualmente es docente en la UNLA.
Aula
Mater del Colegio de San Nicolás de Hidalgo, 19:00 horas (38)
TALLERES |
Del
3 al 8
Curso-taller
Arquitectura
tradicional
Fondo
Regional para la Cultura y las Artes
SDCEU-Facultad
de Arquitectura de la UMSNH (39)
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